Reseña: Linkin Park-Hybrid Theory

Esto es algo que nunca pensé que haría en el blog para ser sincero. Linkin Park nunca fue una de mis bandas favoritas así como el género nu-metal. Sin embargo, siempre total y absoluto respeto por el su trabajo, por su dedicación y por la enorme huella que plantaron en la música.

El pasado 20 de Julio de 2016, el mundo se estremecía con una impactante y shockeante noticia. Chester Bennington, vocalista de Linkin Park, se había quitado la vida. En un principio, la gente creyó que esto se trataba de una simple broma de mal gusto, pero las dudas comenzaban a llegar y con ellas la tensión e incertidumbre. Finalmente los corazones de todos se paralizaron cuando Mike Shinoda, integrante de la banda, twitteo lo siguiente: "Shockeado y devastado, pero es verdad. Una declaración oficial saldrá en cuanto tengamos una". Shock. Verdaderamente no hay otra palabra para describir la situación. No obstante, al conocer el pasado de Bennington, uno puede comenzar a hipotetizar acerca del por que de su suicido. Chester había tenido problemas con las drogas y el alcohol y una fuerte lucha contra la depresión. También, el suicido de su amigo cercano Chris Cornell, líder y vocalista de Soundgarden, lo había dejado completamente deshecho.

A todo esto puede sumársele el odio y repudio que estaba sufriendo el último trabajo de la banda "One More Light", que lejos estaba de ser aquel nu-metal que presentaba la banda con sus primeros trabajos para pasar a convertirse en un sonido mucho más "popeado" por decirlo de alguna manera. Chester, durante sus últimos meses de vida, había tenido millones de peleas con fans y prensa por el hecho de que todos caracterizaban a Linkin Park como unos vendidos. Todo este remolino de problemas y odio, lamentablemente hizo que Chester no pudiera más.

Vamos a hablar brevemente acerca de este "Hybrid Theory". Hoy en día la palabra nu-metal está de moda y se le aplica a grupos que entre sí, no tienen nada que ver. Me parece una abismal pelotudez. Si fuese de acuerdo a este subgénero, Limp Bizkit y Slipknot sonarían parecidos. Y yo creo que son muy diferentes ¿verdad? Sin embargo, la palabra nu-metal si que aplica para Linkin Park y particularmente para este Hybrid Theory. Con este disco, la banda logra una perfecta combinación entre metal, rap/hip-hop y algunos elementos de música electrónica. Además de este nuevo sonido, nos introduce a una de las voces más talentosas de este nuevo milenio. Es hasta el día de hoy que la voz de Bennington es totalmente inconfundible. Desde esos tonos limpios que pueden ponerte a dormir, hasta aquellos gritos quebrados que pueden impulsarte a romper todo a tu alrededor. Un vocalista más que completo para este disco muy bien trabajado.

Aquel mismo 20 de Julio, quedamos con nuestros colegas de Anfetamina & Rock en que, para rendirle tributo a Chester, reseñaríamos un álbum de Linkin Park. Paciencia y entendimiento si alguno se equivoca con algo jaja. Ninguno de los dos somos ávidos oyentes de la banda ni del género. Sin embargo, sabemos reconocer un buen trabajo cuando lo escuchamos y sabemos percibir el talento que esconden las obras musicales. "Hybrid Theory" cumple con eso. Para esta reseña, nos hemos dividido los temas de manera que Anfeta encarará los temas impares y yo me ocuparé de los pares. Vamos allá.

PAPERCUT

Anfetamina & Rock: Con un beat electrónico comienza “Papercut”, aunque no tardará en acoplarse el bajo, las guitarras y la batería. Buena combinación de voces la que hacen Chester, encargado de las voces más exigentes (tanto la melódica como la más acelerada) y la de Mike Shindoa, encargado de rapear en los versos. Una apertura que dejaba caer perfectamente el sonido que caracterizaría a la banda en sus primeros años en el mundo de la fama. Un sonido que irritó a los metaleros más clásicos. Sin duda, guste o no, hay que reconocer que Linkin Park fueron auténticos innovadores dentro del Metal.

ONE STEP CLOSER

Dosis Metalera: Lo que "Papercut" supo introducir, se refuerza con "One Step Closer". Chester despliega al 100% todos sus matices vocales. Estrofas con voces limpias y suaves para pasar un estribillo en el que Chester mantiene una nota desgarrada mientras Shinoda acompaña con su canto rápido característico. Mi momento preferido de la canción es el breakdown del minuto 1:41, que dará paso a los gritos desaforados de Chester con ese "SHUT UP!!". Gran riff el que acompaña todo el tema.

WITH YOU

Anfetamina & Rock: “With You”, aunque su letra parezca pretender otra cosa, es de las más afiladas de todo el disco. De nuevo, el Rap y el Metal vuelven a ir de la mano, resultando un tema de agradable escucha para todos. Lejos de encontrarnos con un gran solo de guitarra, será un DJ quien goce de su momento solista. Es Chester quien más brilla en toda la canción, usando un registro muy exigente.

POINTS OF AUTHORITY

Dosis Metalera: Intro con algunos efectos de fondo a la cual lentamente se le irán agregando la voz de Chester y el riff principal. Uno de mis estribillos favoritos de todo el álbum. La combinación de voces me parece perfecta y el tono del final que alcanza Bennington terminando esta sección con el "You want to share what yoou´ve been through" es brillante. Todo esto irá acompañando por unos "strums" de guitarra y el piano sampleado de la intro. Después del segundo estribillo comienza un pedazo de sección rapeada por Shinoda. Interesante ver como para el final del tema, se juega con la edición de audio y los loops de los diferentes tracks.

CRAWLING

Anfetamina & Rock: Uno de los temas más oscuros del LP es “Crawling”, en el que el peso de la canción lo llevan el bajo y la batería, en el plano instrumental, y, obviamente, Chester, quien se desgañita una vez más frente al micrófono.

RUNAWAY

Dosis Metalera: Una canción mucho más sentimental y melódica se nos presenta bajo el nombre de "Runaway". Clásica fórmula de voz limpia de Chester en la estrofa para que después pase a quebrarla en el estribillo. Sin embargo, en esta ocasión no se lo escucha enojado, sino que ese desgarro vocal me transmite vibras melódicas. Es difícil de explicar jaja. Son típicos también en este disco los pequeños breakdowns más "electrónicos" después de cada estribillo. Pero también tiene su cuota de enojo este tema eh. Llegando al minuto 2:00, vamos a poder escuchar unas líneas donde Shinoda y Bennington se irán cediendo el turno con el micrófono y este último pega unos gritos muy interesantes dentro de un tema muy interesante también.

BY MYSELF

Anfetamina & Rock: La canción más cercana a lo “industrial” sería “By Myself”, una canción en la que Shinoda participa mucho más de lo habitual. Riffs machacones que consolidad una base sólida sobre la que se desarrolla toda la canción. La parte más “rapera” no suena nada mal, aunque siempre me quedaré más con la explosividad de los estribillos.

IN THE END

Dosis Metalera: Llega EL tema clásico de Linkin Park y también mi favorito. No tengo que contar mucho acerca de esta canción. Todo el mundo conoce "In the End". Estrofas con rapeo rápido de Shinoda con voces melódicas de Chester entre medio, para un estribillo que ya podemos introducir en el olimpo de los estribillos. Es tan simple pero tan bueno. Es uno de esos estribillos que emociona al escucharlo. Junto con "Numb", el himno de la banda.

A PLACE FOR MY HEAD

Anfetamina & Rock: Una de las canciones más curiosas, y de las que más me han gustado, es “A Place For My Head”, una canción progresivamente más furiosa, avanzando desde un inicio más de Rap, que es poco a poco sucedido por momentos de Rock y una repetición dramática del “You try to get the best of me, get away” que, posteriormente, explotará en un grito de Chester, iniciando las hostilidades más marcadas por el Metal.

FORGOTTEN

Dosis Metalera: "Forgotten" arranca como un golpe en la boca. Un riff súper pesado acompaña a Bennington y Shinoda. que ejecutan una especie de duelo vocal. Hay secciones donde Shinoda toma el control con una simple guitarra limpia de fondo. Estas dos secciones son complementadas por un simple estribillo y una sección final llegando al cierre del tema. No es lo mejor que nos depara el LP (y LP no es Linkin Park) pero es entretenido.

CURE FOR THE ITCH

Anfetamina & Rock: Yo no entiendo mucho de música electrónica, por no decir absolutamente nada, ni tampoco soy demasiado fan de esto, pero a mí me resulta curiosa y nada desagradable “Cure For The Itch”, aunque, como no sé mucho de este género, no sabría decir si es una gran composición o una basura. Eso se lo dejo a los más fieles a este género.

Dosis Metalera: Mierda, que tema jajaja. Entendí muy poco de lo que escuche. Igual no está nada mal. Esto debe ser lo que siente un fan de música electrónica cuando le ponen death metal.

PUSHING ME AWAY

Dosis Metalera: Otra intro electrónica se encargará de despedir este álbum. De no ser por "In the End", este sería mi tema favorito. Me remite bastante a "Numb". Quizás por la estructura no lo se. Lo que sí se, es que este es un temazo para terminar el disco. Estrofa melódica, intervenciones de Shinoda y estribillo épico con gritasos de Chester. Como sonaba este Linkin Park eh. Un fade-out electrónico despide "Hybrid Theory" de la mejor manera que este disco podría hacerlo. A lo nu-metal.

Nota Final

0-5: Aberrante
6-10:Malo
11-15:Mediocre
16-20:Supera los estándares
21-25:Bueno
26-30:Muy Bueno
31-35:Increíble:32/40
36-40:ESCUCHA OBLIGADA

"Hybrid Theory" es un 32/40. Honestamente, este era un disco que nunca había escuchado entero. Y pensé que estaba sobrevalorado (a pesar de todo el odio que recibe la banda). Pero llegué a la conclusión de que no es así. Me encontré ante un disco innovador e increíble. Si bien no es mi estilo de metal favorito, me encontré con el elementos muy peculiares y que no suelo oír en mis escuchas diarias. Y me agradaron. Como dije antes, reconozco el talento cuando lo escucho. A en "Hybrid Theory" lo escucho a montones. Y especialmente con Bennington. Chester fue un vocalista que a pesar de toda la mierda con la que tuvo y tenía que lidiar, nunca dejo que esto afectara a sus presentaciones y a sus composiciones. Una de la voces más talentosas de este milenio y una pérdida que lamentaremos por siempre. Que en paz descanse Chester Bennington.

Bueno Anfeta lo hicimos jaja. Reseñamos el "Hybrid Theory". ¿Cómo quedaste? Jajaja. Dentro de muy poco se vienen más reseñas y más sorpresas!

El club de los 27 por @DollyGrunge

 Historia de las estrellas del rock que murieron trágicamente a los 27 años.

 Abusos de drogas y alcohol, suicidios y extraños accidentes son los responsables de la principal maldición de la música de nuestros tiempos.

Sus muertes han sido relacionadas con el consumo de drogas, sobredosis etc....

Uno de los misterios más grandes de la música se relaciona con el famoso “Club de los 27”, denominación que se refiere al grupo de músicos célebres que comparten una fúnebre singularidad: tras haber muerto trágicamente.

Todas estas muertes, como sabemos, tuvieron un denominador común.

Todos los fallecidos tenían 27 años de edad y la mayoría de sus muertes ocurrieron en misteriosas circunstancias. Y hasta hoy persisten la duda y la controversia. ¿Fueron solo muertes accidentales? ¿O fueron asesinatos inducidos por el exceso del alcohol y las drogas, el suicidio, y hasta la intromisión del diablo? Lo único claro, para algunos, es que el tristemente famoso “Club de los 27″ sigue a la espera para reclutar nuevos miembros.

La tétrica lista incluye al guitarrista de blues estadounidense, Robert Johnson. El rey del Delta Blues como también era conocido, murió a los  27 años en el año 1938. De este célebre guitarrista negro nacido en 1911 en Hazlehurst, Mississippi, se han dicho muchas cosas, Como que era un músico mediocre, hasta que presumiblemente hizo un pacto con el diablo en el cruce de la Highway 69 con la 49, en Clarksdale, invocando en la medianoche al maligno con una pequeña oración de encantación que había aprendido de un viejo esclavo, para pedirle que lo ayudara a tocar el blues como nadie lo hizo nunca. Johnson, al parecer, no sólo estaba consciente de sus limitaciones como músico, sino que también estaba resentido con Dios por la prematura muerte de su joven  mujer e hijo.

El resto es historia conocida. Johnson se transformó de la noche a la mañana en un músico sublime (su virtuosismo era tal, que al escucharlo parece que sonaran dos guitarras en vez de una y su fantasmal voz podía cambiar fácilmente de tonos y formas), grabando 29 canciones, entre las cuales se encuentran dos de sus mayores éxitos, “Crossroad blues” y “Me and the devil blues”, las cuales hacían referencia precisamente a este pacto demoníaco. 

Nacido en febrero de 1942 como Lewis Brian Hopkins Jones, este rubio guitarrista, por si fuera poco, tocaba instrumentos raros para el rock (se decía que sólo necesitaba media hora para aprender a tocar cualquier instrumento), como la mandolina, la cítara hindú (en el inicio del tema “paint it black”, por ejemplo), el dulcimer, la marimba, el melotrón, el arpa, el cello, el violín, el ukelele, el acordeón, las campanas tubulares, la armónica, la batería marroquí y la flauta.

En 1969, vendría el turno de uno de los creadores de Rolling Stones, el británico Brian Jones, quien se encontró con la muerte debido a un ataque de asma Pero un mes más tarde, inexplicablemente, Jones fue hallado muerto flotando en su piscina. Junto a su cuerpo se encontró su inhalador de asma, que se encontraba al borde del estanque. El informe del forense detalló “muerte accidental” y la causa fue la “inmersión en el agua bajo la influencia del alcohol y las drogas”. Los informes de la policía indicaron que el músico había muerto a causa de un ataque de asma.

Esta cantante estadounidense, símbolo femenino de la contracultura de los revolucionarios años ’60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll y el blues, nació en Texas el 19 de enero de 1943 y desde muy temprano llamó la atención por la calidad de su voz y la visceral intensidad de su interpretación.

El sábado 3 de octubre de 1970, cuando Janis Joplin se prestaba a grabar las partes vocales de la canción “Buried alive in the blues”, en un estudio de Los Ángeles, se retiró a su habitación en el Landmark Motor Hotel. Como la cantante no se apareció en el estudio al día siguiente, según lo acordado con el productor, sus amigos decidieron visitarla en el hotel, pero, al entrar a la habitación, la encontraron muerta, tirada en el suelo a un lado de su cama. La causa oficial de su deceso fue una sobredosis de heroína, probablemente bajo los efectos del alcohol. Joplin fue incinerada y sus cenizas esparcidas desde un avión en el oceáno Pacífico.

 James Marshall Hendrix, mejor conocido como “Jimi” Hendrix, nacido en Seattle, Estados Unidos, el 27 de noviembre de 1942, es considerado el más grande guitarrista en la historia del rock and roll y el blues eléctrico.

 La triunfal carrera de Hendrix se cortaría abruptamente en Londres, Inglaterra, la noche del 18 de septiembre de 1970. Después de acudir a una fiesta, su novia lo fue a buscar para dejarlo en un hotel Samarkand. Hendrix, que ya estaba totalmente bebido, tomó en su pieza una decisión fatal: ingirió nueve pastillas para dormir. La mezcla de somníferos y alcohol fue totalmente contraproducente, y Hendrix cayó presumiblemente desvanecido, muriendo después por la aspiración de su propio vómito.

  

También integra la fatal lista el carismático cantante Jim Morrison, líder de The Doors

Con Mirada magnética,  misterioso, inspirador, y poseedor de un sex appeal natural. Nacido como James Douglas

(Todos curiosamente tienen la letra “J” en sus nombres o apellidos)  El líder y vocalista  murió producto de una  falla cardiaca súbita.  Los seis discos de estudio que grabó con sus compañeros Ray Manzarek, Robbie Krieger y John Densmore, incluyen piezas musicales de antología que han hecho las delicias para los amantes del rock clásico. Mirada magnética,  misterioso, inspirador, y poseedor de un sex appeal natural. Nacido como James Douglas Morrison el 8 de diciembre de 1943, el “rey lagarto” antes de probar suerte en la escena musical ya estaba especialmente obsesionado con la poesía simbolista.

En 1994, el vocalista de Nirvana, y uno de los pilares fundamentales del movimiento grunge  Kurt Donald Cobain sería encontrado muerto tras causa de un supuesto “suicidio” lo que Subsiste todavía la duda. Murió el 5 de abril de 1994, tras aparecer con un balazo de escopeta en la cara  y con 1,5 miligramos por litro de sangre de heroína.

Este talentoso cantante, compositor y guitarrista, quien junto al bajista Krist Novoselic y el baterista Dave Grohl formó la banda grunge Nirvana, fue el genio creador detrás de álbumes como “Bleach”, “In Utero” y, especialmente, “Nevermind”, el disco superventas donde se incluía ese furioso y emblemático himno de la generación X llamado “Smell like teen spirit”. Pero Cobain, pese a la fama planetaria y el dinero que le llegaba a raudales, también se sentía incómodo y frustrado, creyendo que su mensaje y su visión artística habían sido malinterpretadas por el público. Además, su notoria incapacidad para hacer frente a las presiones profesionales y personales de su vida, lo fueron convirtiendo en un adicto a la heroína y los tranquilizantes.

  

Por último, se suma a lista negra la vocalista británica Amy WineHouse, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia.

Una de las voces más talentosas del blues rock, quien fortaleció la leyenda urbana de que la muerte de músicos célebres a esa edad y la última integrante famosa del club de los 27  la extravagante cantante y compositora británica de soul rock  destacó por sus tatuajes, su peinado beehive (o panal de abeja) y su inconfundible contralto, registro vocal que la crítica musical describió como «acústicamente poderoso»  capaz de expresar «las más profundas emociones». Su exitoso álbum debut, “Frank”, fue la antesala del notable disco “Back to black”, que le valió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo.

Artículo especial: Dosis Metalera cumple 1 año!

Saludos rockeros, metaleros y amantes de la buena música. Allá por Julio del 2016, tomé la decisión de abrir una simple cuenta de twitter, en la cual me dedicaba a publicar noticias, efemérides, info de conciertos, festivales, entre cosas acerca de la música que amo. Heavy Metal. Sin embargo, el 16 de Julio de ese mismo mes, después de unas semanas de estar con este twitter, me di cuenta de que lo que realmente quería era analizar música. Ergo, el nacimiento de este blog.

Ese querido 16 de Julio, publiqué mi primera reseña. (si a eso se le puede llamar reseña) Hablé acerca del "Seal the Deal & Let´s Boogie" de Volbeat.

Por más prehistóricas que fuesen mis habilidades de redacción en aquel momento, descubrí que escribir, criticar y reseñar música me gustaba. (Tampoco digo que como redactor sea una maravilla a día de hoy. Quiero creer que he mejorado algo jeje.) Y de esta manera comencé a escribir. Siguió Maiden, Rata Blanca, Megadeth, Metallica, etc. Con el tiempo llegarían los laaaargos períodos de inactividad, que actualmente todavía se presentan y bastante jajaja. Pero sin importar la flojera o cualquier otra complicación que me impidiese escribir, reseñar álbumes para mi ya era algo serio y que merecía una total y completa dedicación.

Para fines de Julio, tuve el placer de encontrarme con una cuenta en twitter llamada @AnfetaminaRock. Al entrar al perfil, vi que un link redirigía a un blog. Ingresé y me tope con una reseña del "Powerslave" de Maiden. "Mierda que este tipo sabe escribir" dije. Yo ahí con mi reseñita de Volbeat y este hombre con este pedazo de texto que logró dejarme perplejo a las pocas oraciones. Eventualmente Anfetamina & Rock y Dosis Metalera nos volveríamos GRANDES colegas llegando a colaborar en muchas ocasiones y hoy 24 de Julio de 2017 tenemos más de 5 reseñas conjuntas planeadas a la proximidad.

En Noviembre, con la salida del "Hardwired... To Self-Destruct" de Metallica, abrí un canal de Youtube. Dije que iba a actualizarlo regularmente. Los invito a entrar al canal y contar la cantidad de videos. Les sobran los dedos de una mano jaja. Pero bueno hermano, prefiero escribir.

También hubo una época en la cual realizaba podcasts de una hora pasando Metal. Incluso recuerdo aquel podcast especial que realizamos con Anfetamina & Rock por la despedida de Black Sabbath. Intente hace poco volver a hacerlo pero desafortunadamente, la plataforma ahora es paga.

Me encantaría prometerles continuidad a todos pero honestamente es algo que no voy a hacer porque no puedo evitar ausentarme por un tiempo tras determinados períodos de tiempo. Para eso están las reseñas colaborativas que realizo con Anfeta, de manera que no cuelgue por mucho tiempo jjajaj.

Por último, agradecerles a todos y cada uno de ustedes lectores. Si bien este no es de los blogs más visitados, siempre hay que agradecer a quién se haya tomado el tiempo de leer el trabajo de otro. En este caso, ustedes lectores leyendo mis reseñas. Y eso se aprecia. Un saludo muy grande a todos. Escuchen metal fuerte, molesten a sus vecinos, y lo más importante, estén atentos al blog que se vienen cosas muy buenas. (Ahora digo esto y después seguramente hasta septiembre no aparezco) Jajaja es broma. Metal up your ass!

Reseña: Guns N´Roses-Appetite for Destruction

Finalmente. ¿Ha pasado tiempo no? Más de un mes y medio ha transcurrido desde nuestra última reseña. Pero la fascinación por la buena música siempre nos impulsa a resucitar este blog y comenzamos, de esta manera, con esta quinta etapa de Dosis Metalera.

Tiempo de remontarnos unos cuantos años atrás con una nueva reseña clásica en el blog. En esta oportunidad toca analizar el histórico disco debut de Guns N´Roses, "Appetite for Destruction". Treinta años cumple este álbum el día de hoy, considerado por muchos el mejor álbum de 1987, el mejor disco de hard-rock de la historia y el mejor disco debut de la historia. Yo, a diferencia de muchos, no estoy de acuerdo con estos puntos.

Si hay algo que reconozco es que, por lejos, este es el mejor disco de la banda. Lo de mejor álbum de 1987 es algo debatible. Hubo mucho buen material en ese año. Por nombrar unos pocos podemos destacar "Abigail" de King Diamond, "Permanent Vacation" de Aerosmith, "Among the Living" de Anthrax o el mítico "Keeper of the Seven Keys Pt 1" de Helloween (mi favorito de ese año). Pero gustos son gustos y a cada cual su álbum favorito. El problema viene cuando la gente califica este LP como el mejor álbum del Hard-Rock. ¿En serio? Teniendo "Machine Head" de Deep Purple, cualquiera de los Led Zeppelin del I al IV, "Van Halen" y su disco debut. ¿El mejor álbum del Hard-Rock? Yo lo reconsideraría. Y bueno después por supuesto sucede estas premisas la idea de que este es el mejor disco debut de la historia. Mejor ni comienzo a nombrar mejores álbumes debut porque la reseña quedaría en segundo plano.

Bueno dejando de lado el basureo al AFD, vamos a reconocerle algunos méritos. Primero en principal, lo mejor de GNR desde sus comienzos a la actualidad. William Bruce Bailey. Otros lo conoceran como Axl Rose. Una de las mejores voces de la historia. Este disco nos introducía a un hombre con un registro vocal amplísimo con muchísimos matices desde graves rotundos hasta agudos quebrados y desgarradores. Pasamos a la sección rítmica de la banda con Adler, Mckagan y Stradlin. Cumplen su trabajo de manera eficiente, sin hacer ni de más ni de menos. La controversia llega cuando aparece uno de los personajes mas polémicos del mundo del rock. Slash. Este guitarrista es glorificado por muchos y repudiado por otros. Yo me encuentro en la mitad. Para nada es un mal guitarrista. Basta nomas con escuchar sus trabajos para darse cuenta que el hombre sabe lo que hace con su instrumento. Pero es verdad que es un guitarrista muy pero MUY sobrevalorado. Sabe de melodía, es buen shredder, pero que hay mejores, seguro.

AFD es un álbum bastante formuleico con excepciones. Y en esas excepciones se encuentran las verdaderas maravillas. Por lo general mucha gente conoce solo tres temas de este disco. "Welcome to the Jungle", "Paradise City" y "Sweet Child ´O Mine". Son temasos sí, pero cuando uno profundiza en la escucha de este álbum, descubre que hay mucho más que solo estas tres canciones.

Para esta vuelta a las pistas, tenemos el placer de colaborar con nuestros colegas de Anfetamina & Rock. Junto a ellos, realizaremos un análisis canción por canción de este "Appetite for Destruction". Vamos.

WELCOME TO THE JUNGLE

Dosis Metalera: Abrimos con uno de los tres clásicos que conformará el triplete antémico de este LP. “Welcome to the Jungle” es, sin duda, mi predilecto de estos tres. Con un build-up memorable, el comienzo de esta canción nos introduce a la gran guitarra riffera de slash, famosa por construir estos épicos riffs hard-rockeros que se despliegan por todo el disco. Buenas estrofas, buen estribillo, pero la cosa se torna diferente cuando llega el pequeño breakdown del minuto 2:20 con esa guitarra acústica acompañanda por el ride de Steven Adler en la batería. Todo esto desembocará en el segundo solo de la canción, que a su vez, nos llevara a la famosa sección del “You know where you are? You´re in the jungle baby. You´re gonna die!” para que después la canción sufrá un cambio de tono y Axl se vaya incluso más arriba en su registro y todo culmine con el “It´s gonna bring you down” Gran tema introductorio.

Anfetamina & Rock: "You know where you are??? You're in the jungle baby!!!!" Señoras y señores, un clásico de clásicos. Poderoso abanderado del Hard-Rock que a día de hoy suena con una frescura inimaginable. Potente apertura para el LP, con un buen solo de guitarra, sin grandes complicaciones tampoco, y con un sobresaliente Axl Rose al micrófono, que combina su agudo registro con algunos momentos de orgasmos (literal). Sublime intermedio melódico, que da pie a Axl para que se desgañite y cierre el tema por todo lo alto. 

IT´S SO EASY

Dosis Metalera: Aquí comienzan a aparecer los temas buenos pero que no destacan en nada en particular. En “It´s so Easy” podemos escuchar un Axl cantando con su voz más agravada aunque al final subirá a los agudos. El tema tiene sus secciones interesantes con las partes acústicas y aquel fraseo de guitarra cuando entra el cowbell. Hay algo que reprocho a Slash acá, y es el primer solo. Y es que todo pedía un solo shred! Sin embargo el del sombrero nos deja un solo con sabor a pocos. A algunos podrá gustarles, a mí no me termina de convencer y conociendo las múltiples facetas de Slash en la guitarra podría haber tocado algunas notas extras.

Anfetamina & Rock: El bajo de Duff anuncia la llegada de "It's So Easy", una canción más cercana al Hard-Rock de antaño, en el que la voz de Axl llama la atención por su tonalidad más grave. Canción simple pero no necesita más para convencer. 

NIGHTRAIN

Dosis Metalera: Dije que comenzaban los temas poco interesantes. Bueno. “Nightrain” es una importantísima excepción. No solamente es la mejor canción del álbum, sino uno de los mejores temas de la historia del hard-rock. Gran protagonismo el que toma el cowbell. Solaso por parte de Slash en esta ocasión. Llegando al último estribillo, es más que destacable el papel de Axl. También nos encontraremos que encima del vocalista, Slash comienza a solear por segunda ocasión con un solo que poco tiene que envidiarle al primero. Ambos de gran calidad. Que temaso!

Anfetamina & Rock: Mucho más espectacular es "Nightrain", una de mis dos preferidas de todo el disco. Es una composición cargada de dinamita que es detonada en los explosivos estribillos. Los versos vuelven a ser un guiño al primigenio Hard-Rock. Buenos punteos de Slash, aunque me convence aún más la compleja línea de bajo de Duff y el cambiante registro de Axl. La letra alude a las adicciones de la banda. 

OUT TA GET ME

Dosis Metalera: Seguimos con otro temaso y el hard-rock sigue de la mano de “Out Ta Get Me”. Más que Hard-Rock ya entramos al GNR más metalero con este tema donde nos encontramos con riffs y estructuras más pesadas. Lo más notable de esta canción es el estribillo que es súper pegadizo y con una gran base de fondo. También quiero remarcar en el minuto 2:45, en el medio de la sección instrumental, con aquel corte de batería y grito de Axl se produce ese cambio y cambia la base de la estrofa por la del estribillo mientras Slash continúa soleando. Un tema muy trabajado y completo.

Anfetamina & Rock: La furia del Rock americano resucita con "Out Ta Get Me", una canción curiosa, especialmente en la letra, ya que habla de los problemas que Axl tuvo con la ley unos años atrás. Instrumentalmente es una composición fiel a los principios del Hard-Rock, con una estructura básica y sin grandes cambios. Slash se saca aquí uno de los solos más destacables de todo el álbum, alargándolo casi un minuto. 

MR. BROWNSTONE

Dosis Metalera: El primer golpe de diversidad llega con “Mr. Brownstone”. Tempo mucho más lento. Volvemos con esa esencia hard-rockera, esta vez con riffs y tempos más lentos y Axl cantando ahí abajo nuevamente. Esta vez el solo no me sorprende mucho. No me introduce a nada que no haya escuchado previamente. No mucho más que decir acerca de este tema. Simplemente que cuenta con un aire bastante diferente a temas anteriores pero no es ninguna joya.

Anfetamina & Rock: Una canción que podía haber sido compuesta un par de años antes por Aerosmith (la similitud de los Riffs con el estilo de Joe Perry es más que notable),con una base bailable y convincente desde el primer segundo. Axl opta de nuevo por un registro más grave. El estribillo, no es espectacular, pero sí que es pegadizo y peculiar. Me quedo con los versos, que parecen un trabalenguas. 

PARADISE CITY

Dosis Metalera: Segundo de los tres clásicos de este disco. Gran arreglo vocal en los estribillos con los coros y los diferentes matices en la voz de Axl. El trabajo de Slash en esta canción sí que es verdaderamente alucinante. Por los fraseos melódicos instrumentales y también los que acompañan a Axl, los riffs, las progresiones, y por supuesto los solos. Porque por más de que muchos lo duden, Slash además de ser uno de los principales referentes de los solos con feeling, es un gran shredder. Llegando a los últimos dos minutos de la canción comienza la locura, se acelera el beat y acá sí que Slash debería prestar su sombrero a quien este escuchando esto para que el oyente se lo saque en su nombre. Por supuesto que nada tiene que envidiarle Axl en cuanto a talento a Slash, ya que su trabajo en esta canción también es impecable. Un temaso con todas las letras.

Anfetamina & Rock: Llegamos al segundo gran momento del álbum, y a mi otra canción preferida junto a “Nightrain”. "Paradise City" es realmente perfecta. Es irresistible la combinación de varias voces en los estribillos (¿cuántas veces habré cantado esa parte?), para posteriormente darle la entrada a un buen solo, tampoco sin lucimiento, de Slash. Una vez suena un pitido, la marcha acelera y se inicia uno de los momentos más cañeros de todo el disco. ¡Un trallazo en toda regla!

MY MICHELLE

Dosis Metalera: Llegamos a uno de mis favoritos. “My Michelle” comienza con unos arreglos de guitarra limpia y bajo con grandes fraseos de Duff Mckagan. Un tema con un main riff bastante pesadote. Lo que me encanta de esta canción es el cambiazo que se produce entre estrofas y estribillos. Mientras que las estrofas acompañan a Axl con este riff heavy, en el estribillo se acelera el tiempo, Slash acompaña la voz de Axl con “strums” de guitarra en el mismo tono, y los coros de Mckagan de fondo para complementar la fórmula. Un solo muy entretenido de escuchar con mucho “bending” en dos cuerdas y también vemos a Slash pinchando armónicos muy bien colocados.

Anfetamina & Rock: Llegados al intermedio del disco es el turno de una de las canciones más curiosas del LP, al menos para mí. La estructura de "My Michelle" es tan llamativa como curiosa, pasando de un inicio melódico, a unos versos agresivos que, sin tiempo para respirar, pasan a un acelerado estribillo que echa humo de lo rápido que va. Nada mal, sin tampoco ser un himno logra convencer a todo oyente.  


THINK ABOUT YOU

Dosis Metalera: Creo que si he de elegir un peor tema, he de atribuirle el título “Think About You”. Es un tema muy estereotípico del rock duro quizás con algunos toques elvisianos. No esconde muchas sorpresas. Un solo muy blusero por parte de Slash. Pero más allá de un decente solo, y como siempre un Axl que está lejos de decepcionar es un tema bastante previsible sin ningún rasgo novedoso. Aburrido en ese sentido pero es una escucha entretenida sin duda.

Anfetamina & Rock: Una de mis canciones preferidas del disco, y eso que no es de las más famosas. Combinación logradísima de Punk con matices del Blues-Rock de los 70. El estribillo, con arreglos melódicos de guitarra inspiradísimos y un gran solo de Slash (cuando realmente lo hace se le reconoce) también me resulta llamativo. 

SWEET CHILD O´MINE

Dosis Metalera: Poco puedo decir de esta canción que no se sepa. El tercer y último himno de este álbum. Literalmente todo el mundo conoce “Sweet Child O´Mine”. Y está canción a mí siempre me disparo dos preguntas. ¿Es una buena canción? Si ¿Es una canción sobrevalorada? Mierda que sí. Las melodías son muy buenas, el riff del principio es de los más históricos de la historia del rocanrol, los punteos del estribillo y los solos que funcionan como puente no están nada mal. Pero quiero detenerme por un momento en el solo largo de esta canción. El tercer solo. Nuevamente podemos hacernos las mismas dos preguntas. ¿Es un buen solo? Si ¿Es un solo sobrevalorado? Puta madre carajo. SI!!! Es un solo sobrevaloradisimoo. Mucha gente ubica este solo como el mejor de la historia del rock. ¿En serio? Es bueno, pero por favor. No nos pasemos. En conclusión, un buen tema, pero completamente alabado de más.

Anfetamina & Rock: Pocas descripciones necesita a día de hoy "Sweet Child O' Mine", otro clásico imprescindible del Rock, principalmente por su Riff inicial, nacido de una improvisación en el estudio de Slash, y por su extremadamente pegadizo estribillo. Gran balada, no la mejor (ya para esto está "Stairway to Heaven"o "Wish You Were Here", entre otras), que perdurará por siempre en la historia más gloriosa del Rock. La letra habla de la tormentosa relación entre Axl y Erin Everly, su novia por aquellos tiempos. El segundo solo de Slash, porque el primero es menos técnico y no es tampoco para tanto, siempre desde el respecto, le da mucha más emotividad al tema y suena brutalmente bien. De siempre mi parte preferida ha sido el intermedio, con ese "Where do we go, where do we go now…”que va en ascenso conforme pasan los segundos. Clásico atemporal. 

YOU´RE CRAZY

Dosis Metalera: ¿Motoroses? ¿O Guns´n´Head? Slash siempre ha reconocido a Lemmy Kilmister como una de sus influencias y esta canción es un speed motorheadeano de puta madre. Base de batería bastante rápido con un Axl cantando a toda la velocidad sobre una base riffera muy bien construida por Slash. Un excelente tema para manejar jajaj para ponerse y meter quinta a fondo gritando “You´re Crazy!!” Buen trabajo de guitarra líder y sólida base rítmica. También de lo mejor de este AFD.

Anfetamina & Rock: Nueva dosis de Punk endiablado, acelerado y sin ningún atisbo de detenerse. Aunque más que Punk, suena más a Speed Metal al más puro estilo Motörhead. Axl tuvo que perder la voz durante unos días después de cantar el tema con semejante tonalidad aguda. Canción agresiva y sucia, con un estribillo sobresaliente. No es un temazo, pero sí que suena realmente bien y siempre se pasa un buen rato con su escucha. 

ANYTHING GOES

Dosis Metalera: Un intro bastante peculiar a la que luego se le sumarán unos samples con la voz de Axl. Lo que más me interesa de esta canción es la sección instrumental que utiliza una gran cantidad de efectos. Recuerdo la primera vez que escuche esta canción a través de unos parlantes bastante precarios y no distinguía si el efecto de guitarra utilizado por slash era en verdad un efecto de guitarra o la voz de Axl algo distorsionada. Unos auriculares más tarde aclararían mi duda jaja. Pero dentro de lo que cabe, es un buen tema. Nomás agregar que no soy muy fan del cambio de ritmo que se da al final. Siento que hubiera sido mejor terminar el tema unos momentos antes sin la necesidad de cambiar de ritmo.

Anfetamina & Rock: Más espectacular me suena "Anything Goes". Hard-Rock puro, sin combinarlo con el Punk ni nada por el estilo. Vuelve a sonar algo cercano al estilo de Aerosmith, respetando las diferencias que hay entre ambos. Slash interviene mágicamente con el talk-box (¡enorme aportación!), mientras que es Stradlin quien empuña la guitarra para hacer los solos, en mi opinión, bastante mejores que muchos de los que "el hombre del sombrero" ha grabado en su carrera. 

ROCKET QUEEN

Dosis Metalera: Después de “Paradise City”, “Rocket Queen” es el tema más largo llegando a la marca de 6:14. Y según mi humilde opinión, es un tema largo al pedo. Simplemente no se encuentra a la altura de canciones anteriores y el hecho de sea tan extenso aburre una escucha que hasta “Anything Goes” había sido muy entretenida. Tampoco tengo mucho más para decir acerca de “Rocket Queen”. Me parece de lo más flojo del disco también junto a “Think About You”. 

Anfetamina & Rock:  Finalmente "Rocket Queen" termina con buen pie el LP. Canción que mezcla el Hard-Rock con arreglos psicodélicos para conformar un tema sólido, hipnótico y adictivo. La letra, y los orgasmos que pueden escucharse a lo largo del corte, dejan claro que la canción habla de sexo. 

Nota Final

0-5: Aberrante

6-10:Malo

11-15:Mediocre

16-20:Supera los estándares

21-25:Bueno

26-30:Muy Bueno

31-35:Increíble:35/40

36-40:ESCUCHA OBLIGADA

"Appetite for Destruction" es un 35/40. Voy a ser sincero mis queridos lectores. De no ser por la repercusión que tuvo este álbum en la música y lo que significo para la época, lo estaría puntuando por debajo. Sin embargo me cuesta difamar semejante obra musical y es innegable que hay material increíble dentro del AFD y es por ese motivo que se está llevando esta nota.

Gracias Diego por colaborar una vez más con nosotros y se vienen cosas muy buenas. Así que estén atentos durante la semana!

Reseña: Kreator-Phantom Antichrist

He de comenzar esta reseña ofreciendo mis disculpas por un detalle que he pasado por alto desde la creación de este mismo blog. Y es la diferencia entre crítica y reseña. Me disculpo porque todos los títulos de mis análisis previos contienen la palabra crítica, cuando en realidad son reseñas porque jamás soy precisamente objetivo a la hora de abordar un álbum. Me percaté de este error cuando decidí analizar este disco en cuestión, por motivos que ya veremos a continuación, y es por eso que a partir del día de hoy comenzaremos a llamar las cosas por lo que son. Reseñas. Conocimiento que uno adquiere exclusivamente con la experiencia. Habiendo aclarado esto, vamos con la reseña de hoy.

El pasado 7 de Junio, el álbum Phantom Antichrist de Kreator cumplía cinco años. Para quienes sean habituales seguidores de nuestra página, y aquellos que en un pasado acostumbrasen visitar nuestro desahuciado canal de Youtube (Dosis Metalera), habrán escuchado en mi reseña del trabajo más reciente de los alemanes Gods of Violence, que Kreator es mi banda favorita. No me pondré a explicar mi favoritismo por Petrozza y compañía esta vez, ya que en mi video-reseña del Gods of Violence hay bastante desarrollo de diversas cosas acerca de la banda. Lo que si voy a repetir y recalcar, son las tres etapas por las que la agupación transitó a lo largo de su carrera.

La época dorada de Kreator está ubicada entre los años 1985 y 1990, lustro en el cual la banda nos entregaría cinco trabajos de estudio. Estos dejarán a cualquier thrashero de la vieja escuela apabullado tras las primeras escuchas, pero deleitado tras incorporarlo a sus escuchas habituales. Entre 1992 y 1999, el conjunto incursionaría en un terreno experimental, territorio en el que fue víctima de millares de bombardeos por el simple hecho de incorporar nuevos recursos al arsenal. Sin embargo, es cierto que la banda no sonaba como antes. El panorama sufriría un cambio cuando en el año 2001, el guitarrista finlandés Sami Yli-Sirniö, ingresa como violero líder a la agrupación y en ese mismo año la banda lanza su Violent Revolution, álbum que marcaría la época de plata de la banda, tercera y última etapa que la banda sigue caminando hasta el día de hoy. Con Violent Revolution y discos subsiguientes a este lanzamiento, Kreator reincorporaría su sonido más antiguo pero con muchos rasgos melódicos. Y el nuevo estilo de canto de Petrozza, claro está.

Sinceramente esta diferenciación entre época "dorada" y "de plata" me parece una ridiculez. Se basa el gusto en la variedad y el mundo esta hecho a medida de cada quién ¿Verdad? ¿Entonces quién define cual época es la dorada y cual la de plata? Personalmente, encuentro la tercera época de Kreator superior a la primera. Ojo eh. Dame una navaja y un Pleasure to Kill y no me lo pienso dos veces. Salgo a matar gente. Mentira jajaja. Ambas son épocas muy épicas de los alemanes, pero siento que la incorporación de estos nuevos rasgos melodiosos a aquellas trascendentales vibras thrasheras, generan una sublime convergencia de furia y melodía. Y donde verdaderamente se notó el cambio fue en Phantom Antichrist.

Siendo este disco en cuestión el sucesor de un compacto y excelentemente pulido Hordes of Chaos, sería muybanda sinexorbitantete Phantom Antichrist estuviese a la altura de semejante creación. Prácticamente imposible para cualquier mortal. Pero no para Mille Petrozza. Lo que logró la banda con este Phantom Antichrist, no es algo normal. La calidad de las composiciones es simplemente descollante. Miles de elementos se unen en una vorágine de brillantez para luego decantar en una amalgama de riffs y melodías que parecen distantes entre si, pero se complementan a la perfección. Este remolino de melodías y armonías es unido por un pegamento de marca registrada. Jürgen Reil, mejor conocido como "Ventor". Uno de los mejores bateristas de la historia del metal, con una etiqueta característica que jamás me cansaré de mencionar. El uso del doble bombo en semi-corcheas en ritmos superiores a 230 bpm. No, no es porque no sea lo suficientemente rápido para meter un golpe más. Creanme que lo es. Pero esta técnica que el utiliza es magnífica. Basta solamente con escuchar aquel magistral breakdown de doble pedal en "Coma of Souls" para entender esto. Una bestia.

Sin lugar a duda va a ser un desafío inmenso escoger solamente tres canciones de este disco. Vamos a ver que sale. Estos son los tres mejores temas de Phantom Antichrist

Phantom Antichrist: Luego la introducción instrumental "Mars Mantra" llega el title-track demoledor de este álbum. Es impresionante la facilidad que tiene Petrozza para crear riffs complejísimos y brillantes. Y es que es uno detrás de otro. Cada tema cuenta con riffs que requieren una atroz cantidad de talento para ejecutarlos. La estructura que ha adoptado Kreator estos últimos años está perfectamente proyectada en este tema. Main riff y estrofas rompecraneos, puentes donde se nos presenta la idea melódica, y estribillo con aquel aire "antémico" (palabra que tanto me gusta y todavía no estoy seguro de su existencia jaja). Después del segundo estribillo, habrá un breakdown que será precedido por una sucesión de tempos cada vez mas veloces, hasta llegar a otra sección típica de temas de la banda en este milenio. Mille "hablando" las letras con una batería a tempo medio y riff super pesado acompañando las líricas. Precioso instrumental a dos guitarras que luego desembocará en un muy buen solo con gran base rítmica para llegar a un último "PHANTOM!" "ANTICHRIST!!". Podremos escuchar un grito enrabietado de Petrozza al final de la canción, proyectando toda la irá de este álbum. 

From Flood into Fire: Velocidad bastante reducida para esta "From Flood into Fire". Una introducción con un punteo de guitarra "erizapelos" al cual luego se le sumará una segunda viola en armonía. Nuevamente una gran variedad de riffs en casi 5:30 de este pedazo de track. Muchos puntos suma el pedazo de estribillo con el que cuenta este tema que obliga a cualquier oyente a cantar ese "We´re in this together! For whatever fate may bring!" Llegando al minuto 2:24 viene un golpaso inesperado con la aparición de un ritmo thrash al 100% . Pero cuidado! Esta no es la mayor de las sorpresas! Llegamos al minuto 3:00 y hay un bajón de tensión acompañado de uno de los momentos mas emotivos del álbum. Petrozza canta con una voz limpia con una guitarra limpia de fondo para luego pasar a un solo que puede venir acompañado de una que otra lágrima. Hasta día de hoy creo que puedo decir este solo, especialmente su primera mitad, está en mi top 5 de solos. Primera mitad con una insana cantidad de feeling y una segunda porción mas thrashera. El outro es para no perderse también. "From flood into fire" se lleva el premio al mejor tema.

United in Hate: Sexta canción del disco. Tras cuarenta segundos de una gran introducción de guitarra acústica, llega mi riff favorito del LP (con un gritaso de Petrozza). Este tema es LA tormenta de riffs. Vale la pena prestarle mucha atención a cada uno de ellos debido a la complejidad que esconden. Después de estrofas contundentes y pesadas llega un estribillo con una guitarra líder muy similar a la del tema "Gods of Violence" también en la sección del estribillo. Atención al pedazo de fill que se manda Ventor en el 1:50! Llegando al final del segundo estribillo escuchamos como queda isolada la voz de Petrozza pronunciando las palabras "We are legions united in hate". Dios mio este breakdown! Un bombo acompañara unos hermosos arrastres de guitarra a lo que eventualmente se sumara Petrozza cantando mientras Ventor irá construyendo un nuevo ritmo que luego confluirá en un pedazo de instrumental. Despedirá este track un gritaso final de Petrozza "WE ARE LEGIONS UNITED IN HAAAATE!

Nota Final

0-5: Aberrante

6-10:Malo

11-15:Mediocre

16-20:Supera los estándares

21-25:Bueno

26-30:Muy Bueno

31-35:Increible

36-40:ESCUCHA OBLIGADA:40/40

Phantom Antichrist es un 40/40. Honestamente no puedo explicar con palabras lo que cambió mi vida este disco. Y no puedo darle más nota porque puse el límite en 40. Pero creanme que este álbum es merecedor del galardón más exorbitante de la historia. Comprendo que es metal extremo y que no es un disco para muchos oídos. Pero sin tan solo el mundo se tomase un tiempo para escuchar el trabajo de producción y las composiciones de este LP, podrían reconocer el genio que se esconde en el señor Mille Petrozza. Probablemente sea la última reseña de Kreator que vean por acá. Me es muy difícil analizar álbumes de la banda sin que emerga mi lado fanatico. Y por más que no parezca estoy analizando el disco objetivamente! ¿Cómo voy a ponerle menos nota? Si es brillante de pies a cabeza! Sin embargo, sentía como una obligación reseñar este disco. Phantom Antichrist es hasta el día de la fecha 7/6/17 mi álbum favorito de todos los tiempos y Mille Petrozza siempre será, hasta que llegue alguien superior, mi única deidad. Este álbum es una ESCUCHA OBLIGADA.

Hard Rock y Glam Metal: ¿Discos Infravalorados? Por @dollygrunge

Pensé muchas veces con qué tipo de artículo a comenzar, y luego de tanto echarle cabeza, quise realizar un pequeño homenaje a  aquellos álbumes de artistas consagrados, que muchas veces son ignorados, o relegados a un segundo nivel,  por culpa de las obras más reconocidas  y valoradas por la crítica y público.

Quiero aclarar que en esta selección, no están incluidas compilaciones ni grabaciones en vivo.

La idea inicial era la de hacer un TOP 10, Aquellos discos de excelente manufactura pero que no tuvieron la relevancia que debieron tener (ventas, público, casi nunca se habla de ellos en reseñas de rock, etc.)... pero a medida que iba realizando la lista a mano, iban apareciendo álbumes en mi cabeza, que al final no consideré prudente excluir alguno de estos.

La idea es que si los conocen, denles una nueva revisada, si no,  pues los invito a una escuchada, y si los conocen y los han repasado al detalle… ríanse o critiquen la selección…

Comenzamos…  Let´s  Rock!

Damn Yankees - Damn Yankess

 Damn Yankees fue el álbum de debut epónimo del supergrupo de hard rock estadounidense Damn Yankees. También es notable por ser el álbum que revivió la carrera popular del guitarrista Ted Nugent. Llegó a doble platino, y presentó tales golpes como "High Enough", "Damn Yankees" y "Coming of Age".

Native Tongue - Poison

Es el cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense de rock duro Poison, lanzado en 1993 a través de Capitol Records. Alcanzó el puesto # 16 en la cartelera 200,  # 20 en la carta de los álbumes BRITÁNICOS fue el 6to y fue certificado oro por RIAA el 21 de abril de 1993.  Cuenta con el  guitarrista Richie Kotzen, contratado después de C.C. DeVille  fue despedido a finales de 1991, los sencillos "Stand", "Hasta que Suffer Some (Fire and Ice)" y "Body Talk".

Dog eat dog – Warrant

Dog Eat Dog fue el tercer álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Warrant. 

Fue lanzado el 25 de agosto de 1992 en el sello Columbia de Sony Music. El álbum alcanzó el número 25 en The Billboard 200. El álbum alcanzó el estatus de "oro" en los Estados Unidos, pero fue significativamente menos exitoso en un sentido comercial que los dos primeros álbumes de la banda. 

No obstante, es considerado por la mayoría de los críticos como el récord más fuerte de Warrant, y un favorito entre muchos fans devotos. El tono y el estilo del álbum se podría decir que es la última etapa del estilo glam metal durante la década de 1980. También es el último álbum con los cinco miembros originales               

Mane Attraction – White Lion

Mane Attraction fue el cuarto álbum de estudio de la banda de hard rock White Lion. Fue lanzado en 1991  por Expedientes Atlánticos, y alcanzó # 61 en el Billboard 200 y # 31 en el Reino Unido. Después de dos años de escribir y grabar, White Lion lanzó Mane Attraction en la primavera de 1991. Más de un álbum de "back to basics", centrado en ganchos fuertes y hard rock melódico, el álbum fue bien recibido por los aficionados. Desafortunadamente, el álbum no alcanzó los 20 primeros como los dos últimos álbumes.

The Doors – Strange Days 

Disco oscuro de los Doors, en sus melodías y letras. Segundo en su discografía. Tiene el infortunio de ser uno de los álbumes menos vendidos de su discografía, y ser el sucesor de su exitoso y más conocido álbum debut. Sin embargo piezas como "Love me two times", P"eople are strange" y para mí su mejor tema, "When the music’s over", lo convierten en pieza indiscutible de lo mejor de su discografía, y una clara representación de sus primeros álbumes marcados de un sonido principalmente psicodélico. 

Vinnie Vincent Invasion - All Systems Go

En 1985 grabaron el disco Vinnie Vincent Invasion, y en 1988 el disco All Systems Go, que contiene la canción "Love Kills", que apareció en la película del mismo año A Nightmare on Elm Street 4: The Dream Master.

La banda se mantuvo solamente dos años, tiempo en el que participaron como vocalistas Robert Fleischman (Journey) y Mark Slaughter (Slaughter), al igual que otros músicos populares como el bajista Dana Strum y el baterista Bobby Rock. Mark, y los demás dejaron a Vinnie porque su actitud era diferente, para otros era porque Mark y los demás querían que la banda se llame Invasion y quitarle el nombre de Vinnie Vincent, pero seguramente éste dijo: Aquí el famoso soy yo y el grupo se llama como yo diga.

Winger - Winger

Winger es el álbum de debut de estudio de la banda de rock estadounidense Winger. El álbum fue lanzado a través de Atlantic Records en 1988 y fue producido por Beau Hill. La música era radio-amistosa, pero con un giro progresivo. Las letras, sin embargo, eran típicas de la edad y el género. Un número de éxitos de la radio y del vídeo fueron extraídos del álbum, incluyendo "Dirigió para un Heartbreak" y "diecisiete", alcanzando el No. 19 y el No. 26 en la sola carta de Billboard.  El 11 de febrero de 1989, el álbum alcanzó el número 21 en el Billboard 200,  y después se mantuvo en el gráfico durante 63 semanas. Alcanzó el estado del platino en los Estados Unidos, fue oro en Canadá  y Japón.

Faster Pussycat – Faster Pussycat

 Es el primer álbum de la banda del mismo nombre. El álbum alcanzó el puesto # 97 en el Billboard 200. Se hicieron videos para varias de las canciones del álbum, incluyendo Do not Change That Song, que tenía un video dirigido por Russ Meyer.

La banda realizó Cathouse y pared de baño en la película El declive de la civilización occidental Parte II: Los años del metal, y fueron entrevistados en el segmento también.

El álbum fue reeditado en CD por la compañía británica Rock Candy Records, con notas y fotos ampliadas.

Danger Danger – Danger Danger

Danger Danger se formó en 1987 por el vocalista Mike Pont, el bajista Bruno Ravel (nacido el 1 de mayo de 1964) y el baterista Steve West (nacido el 30 de mayo de 1964). Esta formación también contó con la presencia del futuro guitarrista de Hotshot, Al Pitrelli (nacido el 26 de septiembre de 1962) y el ex tecladista de Get With It Kasey Smith (nacido el 25 de noviembre de 1960 en Flushing, Nueva York). Mike Pont dejó la banda y fue reemplazado por Ted Poley (nacido el 5 de enero de 1962), quien anteriormente jugó en la banda Prophet como baterista y, a veces, como vocalista. En algún momento durante este tiempo, hicieron un intento de grabar una demo, pero fallaron.                                               

AC/DC – Powerage

Obra maestra con Bon Scott…y siempre ubicada por debajo de highway to hell. Un cañón de principio a fin…Aquí su mejor tema a mi gusto…"Sin City"

Señores, es claro que esta lista es subjetiva y muchos más álbumes pudieron ser incluidos o reemplazar algunos de los mencionados… cuestión de gustos y criterios en la selección.

Faltó el más grande de esta lista, pero por obvias razones debe ser incluido en otra selección, porque como ese…. no hay otro….gracias.  

Mis redes Sociales tanto instagram como twitter @DollyGrunge 

Crítica: Foo Fighters-Sonic Highways por @dollygrunge

                               

 Nos encontramos con la octava maravilla del grupo  del actual gran estrella de  rock,  Dave Grohl con su estilo exclusivo que engancha a gente con diversos gustos, desde su  comienzo en 1994, hasta entonces con una referencia  clara en los estilos de “rock alternativo” y “post-grunge“.  En este caso nos encontramos con algo más modesto y que recuerda más a los Foo Fighters  originales de mediados de los 90.

En este episodio mostraremos las dos caras de la portada del albúm…

Lo más peculiar de este disco fue el desarrollo de su grabación que fue en conjunto con una mini serie documental titulada con el nombre de la banda más el nombre del disco, “Foo Fighters: Sonic Highways“. Esta realiza un tour por la historia musical norteamericana, realizado con un episodio por cada ciudad y a su vez grabando una canción en un estudio representativo. De todas formas es un disco que va ganando con las escuchas progresivamente y acabas sacándole el gusto a más de un tema.

Un grupo se juzga por su música y los Foo Fighters son un grupo.

   
La forma de este albúm es bastante innovadora, al final los grupos se caracterizan por su música y eso es  por lo que me voy a basar para valorar el disco. Así que empezamos el tour musical que nos ha dejado el señor Dave Grohl.
   El disco comienza con “Something From Nothing“, el primer single, en donde encontramos una canción que va de menos a más hasta alcanzar la saturación instrumental típica de este grupo contando con varios riffs pegadizos de guitarra. Buen tema para empezar el disco grabado en el estudio Electrical Audio de Chicago.
  Luego le damos la bienvenida a “The Feast And The Famine“, segundo single del disco, subiendo el ritmo . Este podría ser el tema más en la línea , con un ritmo más eléctrico. Con unos buenos riffs rápidos marca de la casa y cambios de ritmo, además de un Taylor Hawkins deleitándonos en la batería. Ésta fue grabada en Inner Ear Studios de Arlington County, Virginia.

 La siguiente parada es “Congregation”  es  un tema más distinto rítmicamente y algo largo para mi gusto. Grabada en Southern Ground Studios de Nashville, Tennessee.
 A continuación pasaremos a Austin, Texas con “What Did I Do?/God As My Witness” canción con dos partes claramente diferenciadas. La primera más  animada y llegando a la mitad de la canción bajando el ritmo  encontramos algo más nostálgico, me recuerda más a los primeros discos esta parte. Grabada en el estudio Studio 6A con la colaboración de Gary Clark, Jr.
Llegamos a “Outside” donde encontramos una gran parte instrumental y una canción que en  general  es bastante lineal sin muchos sobresaltos. Grabada en el estudio Rancho de la Luna en Joshua Tree, California.  En “In The Clear” tenemos otra canción algo descafeinada para ser los Foo Fighters. Un ritmo lento y repetitivo agradable de escuchar pero sin nada a destacar. Grabada en el Preservation Hall de New Orleans.
Para culminar quedan los  temas  más largos  del album,   por  un  lado  tenemos “Subterranean” que es  el más “lúgubre” del disco. Con unos arreglos de guitarra que están bien  para mi gusto,  el tema es más  largo para lo que es.  Fue grabado en el Robert Lang Studios en Seattle.
 
La última parada sólo podía ser en New York City con el tema más largo del disco “I Am A River” que comienza con un tímido arreglo de guitarra y en lo que en general  para mi concierne el mejor tema del disco.  Este tiene un aire al último tema del anterior disco “Walk” en la forma de ir de menos a más pero sin llegar a explotar de esa forma  tan contundente.  Es un tema agradable para terminar el tour.  Fue grabado en The Magic Shop  con la colaboración de Tony Visconti y Kristeen Young.

En general nos encontramos ante un buen disco, donde Yo destacaría sobre todo la primera parte y el final, lo que se convierte en algo intermedio  para mi gusto y eso que es uno de mis grupos favoritos por no decir mi preferido. Espero les guste este análisis sobre lo que fue este gran discazo de los Foo  Fighters!